Castellano:

La exposición “Veladas, cantos de amor y muerte”, concebida específicamente por Paloma Navares para el Espai Born del Casal Solleric, constituye una emotiva meditación visual sobre la complejidad del ser, ejemplificada en esa condición femenina a la que ha dedicado la mayor parte de sus trabajos artísticos, muchos de los cuales tienen un fuerte cariz autobiográfico. De una forma evocativa y poética, sirviéndose de la metáfora de la ocultación y estableciendo un intenso diálogo visual entre sus nuevas piezas y otras seleccionadas de etapas y series anteriores, la artista nos adentra en las profundidades del alma humana y en esas pulsiones de amor y muerte que nos construyen o rompen en mil pedazos.

Artista multidisciplinar por excelencia, Paloma Navares está considerada una pionera en el uso combinado de materiales domésticos (poseedores de cualidades analógicas) con la tecnología, habiendo desarrollado un amplísimo corpus artístico en torno a la construcción cultural y la representación de la imagen femenina. Partiendo de esas primeras Venus que “robó” a los maestros de la pintura europea para poner en tela de juicio la pertenencia secular al varón del cuerpo de la mujer y su “objetualización”, Navares hizo de sí misma una imagen genérica de esa mujer que reclama no sólo su autonomía sino también su lugar en la historia y su visibilidad, desarrollando trabajos tan significativos como los dedicados a la enfermedad, mental y física, al aislamiento o la exclusión social.

Posteriormente, la artista ha ido llevando paulatinamente su atención a vidas concretas, como las de las poetisas suicidas, o las de tantas mujeres anónimas de todo el mundo que son violentadas, raptadas o asesinadas por su condición de género. A ellas, a ese conmovedor “atlas” de mujeres silenciadas que sufren la opresiva rigidez de costumbres ancestrales que las “anclan” a una vida condenada a la frustración, la humillación o el desconsuelo en Afganistán, México, Rwanda, Bombay, Japón, el Himalaya o el campo de exterminio de Ravensbrück, dedicaría Navares un amplio proyecto multimedia precedido de una rigurosa investigación de carácter antropológico. Dan testimonio de esta fructífera y dolorosa etapa algunos de los collages incluidos en la presente exposición, microcosmos de emoción “velada” cuya expresiva fragilidad no pasa desapercibida. Junto a estas piezas, las “cataratas” de dibujos que componen “Travesía del agua” evocan el diario peregrinaje en pos del agua de las madres africanas.

En contraposición, rememorando tanto esas series centradas en la imposible persecución de la eterna juventud mediante el maquillaje o la cirugía estética, como otras que trataban sobre la progresiva artificialidad de la existencia, sobresale la presencia de un objeto mobiliario tapado y de una maniquí de medidas canónicas que aparece envuelta en tules, como esos enseres que se cubren con sábanas en las estancias que quedan deshabitadas por largo tiempo. Velada, también semioculta tras el plástico que impide verla nítidamente, una bailarina de cuerpo perfecto ejempllifica la belleza de la mujer.

Cuando conjugamos todas estas claves visuales, se hace evidente que Paloma Navares conjuga en un mismo entorno expositivo tiempos y ausencias, fugacidades y permanencias, equiparando las dificultades del día a día con los grandes retos, y vidas sencillas como otras extraordinarias. No es casual que coincidan en un mismo espacio tantos ecos distintos de esa misma búsqueda artística que Navares inició hace más de treinta años para ir desgranando aspiraciones, deseos y fracasos; para hablar de libertad, dignidad, consuelo… y de tantas otras situaciones, vivencias o experiencias que anulan todas las diferencias de condición o nivel cultural y social, poniendo bajo el mismo rasero cualquier vida. Tampoco lo es que sea, aquí, la metáfora del ocultamiento la elegida por la artista en este momento de su extensa trayectoria. Podríamos convenir que tras haber puesto en tela de juicio esa dominación patriarcal que sofocaba la condición femenina, potenciando su invisibilidad y su inferioridad legal, Paloma Navares hace de este metafórico “velado” un giro conceptual y simbólico que señala a la necesidad de introspección y esa cruda realidad que supone la profunda toma de conciencia sobre la propia existencia y condición que entraña, al fin y al cabo, la libertad.

Verdaderos “mapas del alma” de los que emana el recuerdo de ese acto inocente que es la escritura automática, de esas vivencias espontáneas apresadas en la fragilidad de la materia que contienen el testimonio de una vida… las obras de Paloma Navares aquí reunidas componen un profundo y sentido “canto de amor y muerte”.

Mallorquín:

L’exposició “Veladas, cantos de amor y muerte. Selección de obras de 1985 a 2015”, concebuda específicament per Paloma Navares per a l’Espai Born del Casal Solleric, constitueix una emotiva meditació visual sobre la complexitat de l’ésser, exemplificada en aquesta condició femenina a què ha dedicat la major part dels seus treballs artístics, molts dels quals tenen un fort caire autobiogràfic. D’una forma evocativa i poètica, servint-se de la metàfora de l’ocultació i establint un intens diàleg visual entre les seves noves peces i d’altres seleccionades d’etapes i sèries anteriors, l’artista ens endinsa en les profunditats de l’ànima humana i en aquestes pulsions d’amor i mort que ens construeixen o trenquen en mil trossos.

Artista multidisciplinari per excel·lència, Paloma Navares està considerada una pionera en l’ús combinat de materials domèstics (posseïdors de qualitats analògiques) amb la tecnologia, i ha desenvolupat un amplíssim corpus artístic entorn de la construcció cultural i la representació de la imatge femenina. Partint d’aquestes primeres Venus que va “robar” als mestres de la pintura europea per a posar en qüestió la pertinença secular a l’home del cos de la dona i a la seva “objectualització”, Navares va fer de si mateixa una imatge genèrica d’aquesta dona que reclama no només la seva autonomia sinó també el seu lloc en la història i la seva visibilitat, desenvolupant treballs tan significatius com els dedicats a la malaltia, mental i física, a l’aïllament o a l’exclusió social.

Posteriorment, l’artista ha anat duent gradualment la seva atenció a vides concretes, com les de les poetes suïcides, o les de tantes dones anònimes de tot el món que són violentades, raptades o assassinades per la seva condició de gènere. A elles, a aquest commovedor “atles” de dones silenciades que sofreixen l’opressiva rigidesa de costums ancestrals que les “ancoren” a una vida condemnada a la frustració, la humiliació o el desconsol a l’Afganistan, Mèxic, Rwanda, Bombai, el Japó, l’Himàlaia o el camp d’extermini de Ravensbrück, dedicaria Navares un ampli projecte multimèdia precedit d’una rigorosa investigació de caràcter antropològic. Donen testimoni d’aquesta etapa fructífera i dolorosa alguns dels collages inclosos a la present exposició, microcosmos d’emoció “velada” l’expressiva fragilitat de la qual no passa desapercebuda. Al costat d’aquestes peces, les “cascades” de dibuixos que formen “Travesía del agua” evoquen el pelegrinatge diari rere l’aigua de les mares africanes.

En contraposició, rememorant tant aquestes sèries centrades en la impossible persecució de l’eterna joventut mitjançant el maquillatge o la cirurgia estètica, com d’altres que tractaven sobre la progressiva artificialitat de l’existència, sobresurt la presència d’un objecte mobiliari tapat i d’una maniquí de mesures canòniques que apareix embolicada en tuls, com aquests estris que es cobreixen amb llençols a les estances que queden deshabitades llarg temps. Velada, també semioculta darrere el plàstic que impedeix veure-la nítidament, una ballerina de cos perfecte exemplifica la bellesa de la dona.

Quan integrem totes aquestes claus visuals es fa evident que Paloma Navares conjuga en un mateix entorn expositiu temps i absències, fugacitats i permanències, equiparant les dificultats del dia a dia amb els grans reptes, i vides senzilles com altres d’extraordinàries. No és casual que coincideixin en un mateix espai tants ressons diferents d’aquesta mateixa recerca artística que Navares va iniciar fa més de trenta anys per a anar desgranant aspiracions, desigs i fracassos; per a parlar de llibertat, dignitat, consol… i de tantes altres situacions, vivències o experiències que anul·len totes les diferències de condició o nivell cultural i social, donant el mateix tracte a qualsevol vida. Tampoc ho és que sigui, aquí, la metàfora de l’ocultació l’elegida per l’artista en aquest moment de la seva extensa trajectòria. Podríem convenir que després d’haver posat en qüestió aquesta dominació patriarcal que sufocava la condició femenina, potenciant la seva invisibilitat i la seva inferioritat legal, Paloma Navares fa d’aquesta metafòrica “veladura” un gir conceptual i simbòlic que assenyala a la necessitat d’introspecció i aquesta crua realitat que suposa la profunda presa de consciència sobre la pròpia existència i condició que implica, al cap i a la fi, la llibertat.

Vertaders “mapes de l’ànima” dels quals emana el record d’aquest acte innocent que és l’escriptura automàtica, d’aquestes vivències espontànies capturades en la fragilitat de la matèria que contenen el testimoni d’una vida… les obres de Paloma Navares aquí reunides integren un profund i sentit “cant d’amor i mort”.

Inglés:

The exhibition “Veladas, cantos de amor y muerte”, specially created by Paloma Navares for the Espai Born at the Casal Solleric, makes up a visual meditation on the complexity of human beings, illustrated in the woman’s condition to which she has dedicated most of her artistic works, many of which are highly autobiographic. In an evocative and poetical way, using the concealment metaphor and establishing and intense visual dialogue between her new pieces and others that have been selected from previous periods and series, the artist submerges us into the depths of the human soul and in the urges of love and death that build us or break us into a thousand pieces.

Multidisciplinary artist par excellence, Paloma Navares is considered a pioneer in the combined use of household equipment (with analogue qualities) with technology, and has developed an extensive body of work regarding the cultural construction and the depiction of the female image. Taking the first Venus she “stole” from the masters of the European painting so as to question the century-old belonging of the women’s body to men and its “objectification”, Navares made of herself a generic image of a woman who is not only claiming for her autonomy, but also for her place in history and also her visibility, developing significant works dealing with mental and physical illnesses, isolation or social exclusion.

Afterwards, the artist has been gradually focusing her attention on individual lives, such those of suicidal female poets, or of so many anonymous women around the world that are raped, kidnapped or murdered due to their gender condition. Navares would dedicate them, a moving “atlas” of silenced women suffering the oppressive stiffness of ancestral customs that “anchor” them to a life doomed to frustration, humiliation or grief in Afghanistan, Mexico, Rwanda, Bombay, Japan, The Himalayas or Ravensbrück concentration camp. Some collages shown in the present exhibition witness this fruitful and painful period, a microcosm of “veiled” emotion, whose expressive fragility does not go unnoticed. Together with these pieces, the “waterfalls” of drawings that make up “Travesía del agua” evoke the daily pilgrimage in search of water of African mothers.

In contrast, recalling both the series focused on the impossible pursuit of the eternal youth by means of make up or cosmetic surgery, and others dealing with the progressive artificiality of existence, a covered piece of furniture and a mannequin with standard measurements wrapped in tulle, like those home fittings covered with sheets in rooms that have been inhabited over a long period of time stand out. A veiled dancer, half-hidden behind the plastic that prevents us from seeing her sharply, depicts the women’s beauty.

When we combine all these visual clues, the fact that Paloma Navares combines times and absences, fugacity and continuation, comparing the daily problems to great challenges and simple of extraordinary lives becomes apparent. It is not coincidence that so many different echoes of the same artistic search that Navares began more than thirty years ago in order to pinpoint hopes, wishes and failures converge within the same space; in order to talk about freedom, dignity, relief… and about so many other situations, or living experiences that void all the differences in status or social and cultural level, placing all lives on the same level. The artist hasn’t chosen the concealment metaphor at this point of her extensive career either. We could agree that after questioning the patriarchal domination that stifled the female condition, fostering its invisibility and legal inferiority, Paloma Navares turns this metaphoric “veil” into a conceptual and symbolic turn pointing at the need for introspection and the harsh reality of the deep awareness of the very existence and condition that freedom entails.

True “maps of the soul” from which the memory of the innocent act of automatic writing exude, of those spontaneous experiences captured on the fragility of the matter which contain the witness of a life …The works of Paloma Navares shape a deep and heartfelt “singing of love and death”.

Casal Solleric. Espai Born
Fechas: 19 septiembre – 15 noviembre 2015
Comisaria: Pilar Ribal
Organización: Fundació Palma Espai d’Art
Patrocina: Fundación Banco Santander
Colabora: Institut d’Estudis Baleàrics y El Corte Inglés

“Ante mi

rodilla relampagueante

se detiene la mano

que pasaste

por tus ojos,

un tintineo

saca certeza

en el círculo que traeré

a nuestro alrededor,

a veces, sin embargo,

muere el cielo

antes

que nuestros añicos”

Paul Celan (“Ante mí”)

La memoria en añicos, como el cuerpo. Los recuerdos tintineando en semillas de un tiempo efímero, ya para siempre infinito habitando el silencio. Cristalizada, la in­tuición de esa muerte anticipada que es destino y liber­tad, alumbra palabras posadas en la frágil textura del pétalo, en la carne inerme de la piedra escrita. Suicidio. Muerte. Flores. Piedra. Mar… Poesía.

Muere el cielo en ese azul que es siempre evocación y deseo, transformación, potencia. Muere cada día el cielo mientras se esboza en el alma la premonición del duelo. Y cada momento, cada hora, cada instante, se adueña de su apariencia, dibujando su propio desvanecerse en ese tiempo que ya es sólo imagen.

Apariencia imbricada de experiencia, ensoñación de un doble de vida del que se apropiaron las horas y los días, Paloma Navares conjuga fragmentos de realidad y poesía que, en sus manos, poseen esa misteriosa cualidad de hacer visible el sentimiento. Como un collar de “pen­samientos” o una cascada de rezos, sus últimas obras dedicadas a la muerte, el suicidio o la locura, son tan profundas en su sencillez como complejas en su desplegarse más allá de sí mismas. Concebidas bajo el estímulo de esas palabras ajenas que, como huellas y trazos captu­rados al vuelo en caligrafías, emergen en constelaciones de signos inventados, vistos, presentidos, estas piezas de la artista se sitúan en un punto donde la imagen se cruza con la poesía visual.

Dijo Maria Zambrano que “la cosa del poeta no es jamás la cosa conceptual del pensamiento, sino la cosa com­plejísima y real, la cosa fantasmagórica y soñada, la in­ventada, la que hubo y la que no habrá jamás”. Y es esa esencia de una realidad dispersa la que es materializada y recreada poéticamente por Navares, para trascenderla, para llevarla más allá de sus propios límites, en imágenes metafóricas que reviven la experiencia de ese arte “de autor” que, siguiendo el paralelismo con la literatura, se piensa en la lógica de esa ecuación que hace del artista y el receptor partes integrantes de un mismo proceso de búsqueda y descubrimiento.

Fue y es Paloma pasajera de mirada instantánea y pro­funda, que ha atravesado siglos de imagen en pos de esos valores universales con los que se puede seguir ana­lizando el presente, como en estas piezas en las que nos conduce sutilmente hacia esas voces cuyas historias ha hecho suyas. Capaz de ver en la voz de sus almas heri­das el eco del dolor de toda una humanidad, ahora, como antes en sus series dedicadas a la meditación sobre la convención pictórica y la identidad de la mujer mediante las Venus y otras iconografías femeninas, sabe la artista que ninguna imagen –aunque se asocia por siempre a esa pulsión milenaria que induce a evocar lo ya extinto- es un doble vacío, una mera copia inmutable, una sombra apresada en las texturas de la materia. Pues, como en el caso del poeta, cada imagen elaborada en clave artística –es decir, concebida para generar conciencia- es el fruto de esas profundas inquietudes individuales que, desde el principio de la filosofía, siguen dando sentido a la vida.

Haciendo suyas los textos que alientan sus últimas pie­zas, Paloma Navares reitera ese ritual alquímico que convierte un simple objeto o materia en el equivalente formal de un pensamiento abstracto, atendiendo al deseo de presencia, esa pulsión estética o impulso ancestral que anima y da sentido a toda creación, y produciendo piezas artísticas con elementos cotidianos tan íntimo y cercanos, como frascos, lupas, saleros, copas o cortinas. Tocar con las manos y dar una forma propia a aquello que tiene ya entidad en nuestro espíritu, nombrar en la materia aquello que ya existe en la mente, en el alma. Hacer de un simple paisaje marino la visión analógica de ese acto supremo de disolución que es el suicidio, he ahí la “cosa” complejísima y real a la que se enfrenta la artista. Poseer vida, experiencia, sentido y transformarla en una meditación visual, empañar esas imágenes sencillas de cualidades simbólicas en las que puedan revivir los mitos, antiguos o recientes (como todos estos que ahora escribe al pie de sus obras), he ahí algunas de las constantes del trabajo de Paloma Navares. Ella sabe que, aun hoy, cuando las prácticas artísticas se escinden en el ámbito conceptual de otras disciplinas, sigue teniendo sentido repensar el presente desde la conciencia de que toda herencia cultural ha de ser transferida, recreada, inventada en esos nuevos códigos visuales que descubre el arte en cada nuevo tiempo, para hacerlo propio y nuevo.

Imbuida de la ambición de seguir construyendo cultura sobre las bases del vastísimo legado configurado por las palabras y las cosas que, parafraseando a Foucault, constituye nuestra identidad más profunda, la obra de Paloma Navares no renuncia, más bien al contrario, a todas las nuevas tecnologías y metodologías que “deshumanizarían” supuestamente el acto creador para llevarlo a un terreno de posible “no autoría”, pero, eso sí, manifiesta una clara vocación humanista, comunicativa y narrativa que se vislumbra en todas sus imágenes fotográficas, en sus esculturas, en sus dibujos, acciones y montajes escultóricos, en sus instalaciones… todas ellas, en suma, espejo de eso que llamamos belleza. Porque, como señaló Stefano Zecchi, a través de esas cualidades espirituales de la materia que resultan de la armonía y la empatía respecto a la apariencia, cumplen las obras de arte su función de ser vehículo de un conocimiento superior y hacen posible una comprensión distinta de la realidad, como si ésta, de repente, nos iluminara.

Concisas, sin desviarse nunca hacia lo excesivo, conjugando en un mismo código estético distintos motivos y materiales y casi siempre íntimamente relacionadas con su propia biografía (hechas generalmente a su imagen y semejanza y en paralelo a sus propias etapas vitales), las obras de Paloma Navares se resuelven con acierto según la estética contemporánea del fragmento, pero en ningún caso precisan de la interrelación serial para desprender sus significados. Más que fragmentos entendidos como tales, sus esculturas –como esas cabezas de las que se derraman lágrimas de flores y cristal o esas manos transparentes que abrazan y hacen suyas el dolor y la esperanza-, así como sus fotografías y otros trabajos sobre distintos soportes, son imágenes analógicas completas, obras de arte cerradas en sí mismas, completas. Obras que traspasan los límites de su propia temporalidad para trazar un arco que abraza el antes, el después, el ahora, siendo así, únicas e iguales.

Tal como sucede con la obra de un poeta (que es completa también en cada verso singular), cada imagen de Paloma Navares puede funcionar como un nuevo texto (que a veces es un párrafo o sólo unas líneas…), como una formulación autónoma que incide y se relaciona con esas cuestiones universales sobre las que reflexiona una y otra vez su obra. En este contexto, se entiende mejor la recuperación y reciclado al que Paloma Navares somete sus propias imágenes para darles una nueva posibilidad de expresión en esa narración cohesiva y coherente que es todo su trabajo. Es así como se explica la inclusión de esa filmación en la que la artista flota boca abajo inerme en el agua, o como hemos de considerar la utilización de cabezas de resina iguales a esas mujeres de diseño procedentes de otra serie. Las manos y los pies (extremos sensibles por excelencia que contactan con los otros y con la tierra), el busto (recipiente de las emociones), la cabeza (que alude a la razón, al ver, oír, oler…), todas esas iconografías, en suma, tan exploradas en otros momentos por ella con otros propósitos (tal vez hablar del cuerpo “diseñado” o del artificio de la identidad que hace posible la ciencia) intervienen en esta nueva puesta en escena y, a través de los acciones que sugieren, conectan ahora de un modo distinto con las emociones, recuerdos y experiencias de aquellos a quienes rinde homenaje.

Y si seguimos examinando atentamente las imágenes, veremos que hay muchas más conexiones con sus tra­bajos anteriores. Así, por ejemplo, aquellas espumas del baño donde dormía en el silencio de la casi-muerte la propia Paloma, son ahora también la espuma rizada de estas olas que imaginamos arrastrando hacia la inmen­sidad oscura de las aguas esos cuerpos vencidos que emprendieron el camino del suicidio. Ese collar de flores (“pensamientos”) que cuelga de la carne transparente del maniquí que ahora es mortaja, fue antes adorno, maquillaje, frivolidad. Es decir, aunque el cuerpo, los paisajes, los objetos y los escenarios, en suma, sean apa­rentemente los mismos, sucede como con la vida, cuyos distintos avatares experimentamos, sucesivamente y con distintos humores, emociones, sensaciones, sentimientos y estados del alma, en los mismos lugares y contextos.

Conviviendo con esa realidad visualmente aprehensible pero distinta en esas mismas transformaciones a las que hemos aludido, son ahora los ecos de las voces y las vi­das de quienes rozaron la muerte, la buscaron y, acaso, fueron muriendo poco a poco en vida, deseándola, sintié­ndola venir… el contexto argumental por medio del que Paloma Navares reflexiona para sí misma y se adentra en un territorio conceptual, el de la muerte, que, ahora lo vemos, siempre ha discurrido en paralelo a toda su obra.

Ahora, y otra vez con materiales de los que emanan cua­lidades metafóricas rotundas, como la piedra o el cristal, e imágenes de profundo simbolismo, como el mar (esa “cuna de agua” que nos arrulla y nos llama con la voz seductora de sus olas), la concha, el lecho de piedra-ca­mino-vía crucis, así como con colores de vida –los de las flores- Paloma Navares dialoga con esos poetas y escri­tores que se enfrentaron a la muerte, la escisión, el sui­cidio o la locura. No estamos, por tanto, en ese territorio fronterizo donde se disuelven los límites de la realidad y la ficción, sino en ese otro de la realidad poetizada y revelada en esa otra dimensión donde una imagen es documento y creación.

Sin dramatismos, con la contención que la caracteriza, con esa serenidad profunda que es siempre trascenden­cia, la artista asume el dolor como una experiencia que se puede compartir y comprender, y la hace tangible en sus propios trazos, en sus escrituras de esos versos leídos que ha ido posando día a día en esas páginas sim­bólicas que son las piedras o las flores. Piedras y flores, mapas del alma en los que se encuentran también la ex­periencia corporal del contacto con el agua del mar y los cantos rodados que fueron antes divertimento, intimidad, recuerdo y que han ido luego engrosando paulatinamente esa suerte de “biblioteca” increíble que ahora son. Como pequeñas notas apiladas sobre sí mismas, esas piedras esculpidas por el agua y el tiempo y esas flores cuya ter­nura casi podemos palpar, producen una extraña y nueva sensación al invitarnos a descifrar sus mensajes y atri­buir a quienes pertenecen (si es que una vez escritas ya no son siempre nuestras) esas palabras, tan elocuentes en su silencio.

Alguna vez, algún día, todos hemos escrito nuestros nombres en ese lugar especial que fue un árbol, un muro, una hoja. Paloma Navares convierte ese acto inocente, íntimo y banal de la escritura espontánea sobre un so­porte aleatorio, en un poderoso ejercicio de memoria, en un homenaje a quienes tuvieron el valor de compartir sus más profundos temores, sus recuerdos, su melanco­lía e incluso las palabras con que firmaron su despedida. Reescritas para sí en un intimísimo performance anó­nimo, estas mismas palabras que ahora revolotean sobre piedras y flores, trazan las estaciones de ese viaje a la memoria que guían las palabras de Paul Celan, Alejan­dra Pizarnik, Anne Sexton, Sylvia Plath, Alfonsina Storni, Virginia Woolf, Emily Dickinson, Camille Claudel, Cesare Pavese, Charles Beaudelaire, Albert Camus, Antonin Ar­taud, Samuel Beckett, Horacio Quiroga, Franz Kafka, Mi­chel Foucault y tantos otros.

Apropiándose de ese eco polifónico y llevándolo a un mismo territorio conceptual, Paloma Navares consigue que todas sus vidas, emociones y credos hayan venido a dar como una sola voz y una única sustancia espiritual en estos cantos rodados y en estas flores, en estos sen­cillos fragmentos de naturaleza que no conocen límites ni fronteras, nacionalismos ni banderas, razas, géneros o ideales, reuniéndoles, así, tan sencilla y rotundamente, en esas experiencias ineludibles que son la muerte o la locura, la escisión interior, el suicidio, la desesperanza.

Tanto en esos sugestivos tapices multicolores que forman los pétalos escritos por Paloma Navares (que no sólo alu­den a la costumbre de honrar con flores a los muertos, sino que son, también, una vitalista evocación de vida, como cuando recrean el paisaje de una naturaleza en flor o sirven como atributo de belleza femenina), como esas acumulaciones de cantos rodados (que también su­gieren, por extensión, la idea de la lápida y los juegos infantiles) o esas fotografías dibujadas y escritas en las que el horizonte se tiñe de luz y sentimiento, en todas y cada una de estas obras de las series de “El alma herida” podemos encontrar esa misma dualidad complementaria que hace de la vida y la muerte una misma condición de la existencia.

De este modo, tanto la muerte en los campos de concen­tración de los padres de Celan, como los suicidios de esas mujeres que eligieron la partida prematura o el extravío en la locura de tantos hombres y mujeres que rozaron los límites de lo soportable y no pudieron con ello… to­das esas situaciones extremas, dolorosas y desgarrado­ras que ejemplifican, ilustran y recuerdan los versos de esos mitos contemporáneos que han tallado las formas poliédricas de nuestra conciencia, son humanizadas y he­chas comprensibles, casi cercanas, en este sorprendente ritual de renovación simbólica en el que, con palabras de muerte como semilla de vida y esperanza, Paloma Nava­res vuelve a hacer de sí misma ese canal de transmisión privilegiado capaz de sacudirnos el alma y hacer de sus ojos los nuestros.